“Pensar alto, sentir hondo, hablar claro” Antonio Machado

EL SENTIMIENTO ARTÍSTICO

Por *Luis Ossa Gajardo

Algunos poetas-amigos me han preguntado qué opino sobre el sentimiento artístico.

Esta es mi opinión: Sin sentimientos profundos y transparentes no hay arte de modo alguno en ninguna de sus diversas manifestaciones: pintura, música, escultura, escritura etc.

En el caso del poeta, artista de la palabra, siente y deja reposar en el fondo de su alma “el sentimiento” aquel susurro inconmensurable que ha logrado estremecer su íntimo ser. Tal sentimiento no languidece en su corazón, sino que, más tarde, con fuerza plasmadora adquiere la capacidad de transmutar lo vivido anteriormente en sonido e imagen que va más allá de la frontera de la pluma y el papel, de modo que las palabras vibren en su inagotable transferencia al lector.

La vid exprimida del sentimiento es la que da el dulce vino al espíritu.

Escribir sin sentimiento es entregar frases estereotipadas, pálidas y vacías.

Colleridge afirmaba que la poesía es el espontáneo desbordamiento de los sentidos; y que si hay espontaneidad es que hay, también, verdad…
Así, hay quienes sostienen que el texto poético es el más creíble de todos los textos literarios, porque es la representación fiel de una realidad, aunque sea ésta una realidad interior, subjetiva: la del poeta. Los poetas, según esto, no fingen : la ficción es patrimonio de los otros géneros literarios, pero no se da en el ámbito de la poesía.

La auténtica poesía brota únicamente del poeta verdadero; de aquel que vino al mundo con la gracia y fuerza creadora para transmitirnos en un tono único e inconfundible el milagro de la plasmación de las palabras.

El poeta auténtico sabe atrapar en la red más recóndita de su sensibilidad aquellos “sentimientos” que un día en el esplendor de su pluma, nos entregará en claras, alegres y ricas expresiones, o en el verso henchido de melancolías y tristezas el vuelo íntimo de su lírica. En ambas circunstancias el poeta sentirá iluminar la dimensión de su espíritu.

Para capturar el sentimiento verdadero, el vate necesita en torno suyo y en el halo de sus evocaciones, la sustancia lírica y musical que ha de extraer desde su riqueza espiritual. Y en virtud de su esclarecimiento trasvasará en vocablos precisos e ideas sintetizadas la hondura de su sentimiento vital.

En contraste, existen versificadores ansiosos de notoriedad que sólo imitan y fingen la originalidad . El verso verdadero lleva en sí la misteriosa esencia de la poesía. En consecuencia encontraremos en la falsa expresión poética simplemente una retórica versificada o muchas veces una ruda expresión prosaica. En cambio en el verbo lírico hallaremos siempre ritmos e imágenes de una sencillez tierna y elemental.
Rainer Rilke – considerado uno de los poetas más importantes en lengua alemana y de la literatura universal, expresó “Para escribir necesito algo más que el material indispensable: necesito un poco de calma y soledad”. Aquella es la fórmula única para poder capturar los sentimientos de extraordinaria riqueza que han de encender la jerarquía de las palabras y el verso que cante más allá de nuestro propio corazón.

Lamentablemente nuestra época no es lírica, un extraño soplo de grandeza y ligaduras de vanidades invaden al individuo de hoy, ímpetus tenebrosos penetran con desdén y arrebatos en los gloriosos campos del arte.

La oscura decadencia de esta sociedad se desfigura en una masa informe de seres que hacen suyo el balbuceo ininteligible de los que han perdido el rumbo y las fronteras en una heterogeneidad siempre tenebrosa. Circunstancia propicia para que el arte y, en este caso, el arte de la palabra, caiga, muchas veces, en abismos aberrantes.

Anhelamos una nueva aurora, el retorno de una sociedad dichosa donde la poesía del sentimiento se expanda libremente sobre la faz de la tierra.

Entonces la poesía pura y primigenia alcanzará, en las claras fuentes de la alborada, la fresca rima del corazón.

Quilpué 6 de Mayo de 2007.-

•Poeta, ensayista, humanista, libretista radial, crítico literario.
• Google.com
• Referencias Críticas Biblioteca Nacional de Chile.

La literatura está en crisis en nuestra sociedad
Una simple opinión:
En mi modesta opinión considero que más que concursos de poesías falta una cultura poética en nuestro país. Misión que estimo correspondería principalmente a las entidades literarias serias, que desarrollan sus actividades bajo una atmósfera de intelectualidad en su grado mínimo.
En este mundo de rebeldías y frivolidades la poesía ha pasado a ser la hermana pobre entre las diversas manifestaciones del arte.
En la ciudad donde resido, Quilpué, existe anualmente un concurso juvenil de piano que ha alcanzado prestigio internacional. Ningún participante llega sin haber tomado previamente clases de piano, en algún conservatorio o, al menos, clases por un par de años con algún prestigioso profesor de música. Cabe señalar, además, que en este tipo de concursos participan solamente los que tienen algún grado de talento. ¿Por qué en poesía no ocurre lo mismo?
Colleridge afirmaba que la poesía es el espontáneo desbordamiento de los sentidos; y que si hay espontaneidad es que hay, también, verdad.
La literatura está en crisis en nuestra sociedad por una pérdida axiológica fundamental. A menudo se confunde “éxito” por excelencia y, la masa que adolece de principios, en su afán imitativo responde a lo grotesco de una “cultura” que no es tal.
La ausencia de una razón primigenia que oriente en una constante y renovada visión estética-espiritual, nos conduce día a día a un creciente sentido nihilista, a la pérdida del poder creativo de la poesía que, inexorablemente, conduce en forma directa contra los cristales donde se proyectan los sueños, al ideal prístino, a la esencia lírica y pureza primitiva de la palabra.
Luis Ossa Gajardo
Círculo de Escritores de la 5ª Región
Ref. Críticas Biblioteca Nacional de Chile.
Quilpué, 29 de noviembre de 2005.

Rescatando a los poetas olvidados de nuestra región

La solidaridad y cordialidad del hombre de letras.


Vivimos en la era del vacío y la indiferencia, continuamente marcada por el sello de la individualidad.

El hombre sin satisfacer sus aspiraciones más elevadas, se hace cada vez menos sabio, menos auténtico, más frío e intolerante. Con esta profunda marca en sus entrañas, sólo pretende sobresalir en un afán permanente, sin ninguna formulación axiologicamente honesta.

Las tristes ansias de sus búsquedas auto-referentes se alzan ante sus ávidos ojos, como un nefasto ídolo, siempre inconsistente.

Extraños dominios deshumanizan al hombre, una hostil aversión a los valores del espíritu constituye la oscura niebla de su racionalidad, sin una vida interior se hace esencialmente inconstante e incapaz de desarrollar algunas de sus elementales virtudes.

La carne fugaz en las oscuras redes hedonistas, el timón de las vigilias sin una estrella que ilumine el rumbo axiológico del poeta, desorienta y fatiga al lector. De ahí la necesidad del lírico en empeñarse por una exploración íntima y constante de su propio espíritu cuidando la precisión del lenguaje con un claro acento y en su máxima energía.

Estimado escritor y poeta: anhelamos desde el fondo de nuestro corazón que la solidaridad sea el auténtico libro abierto de nuestra vida, en cuyas páginas transparentes brote la cordialidad, el agua cristalina, la pluma y el verso verdadero.

Basado en estos principios es que vengo a presentar ante Uds. mi ponencia que he denominado “Rescatando a los poetas olvidados de nuestra región”. Pero antes permítanme a modo de valioso ejemplo y sencilla reflexión exponer algunos elementos referenciales con el propósito de centrar nuestra mirada en un valor de la lírica chilena que, gracias a la solidaridad de otros poetas e investigadores, la gloria de su pluma, ha trascendido más allá de nuestras fronteras, me refiero a Carlos Pezoa Véliz, quien a través de una breve y fecunda existencia, supo contener el vaso de su humanismo en su más alta expresión. Considerado uno de los primeros poetas chilenos en desarrollar una voz singular y propia, lo cual ha permitido que su poesía esté presente en cualquier exigente antología y ser considerado el primer poeta social del país, quien llegó a representar el "alma chilena", llegando a dar cuenta del tono colectivo de un pueblo. La mayoría de sus creaciones poéticas que lo hicieron famoso las realizó en los alrededores de Valparaíso, donde vivió gran parte de su corta existencia.
Carlos Pezoa Véliz, nace un 21 de julio de 1879, -a principios de la Guerra del Pacífico- en un popular barrio capitalino, alrededor de la bulliciosa calle San Diego, específicamente en la calle Mencia de los Nidos, a un costado de la Plaza Almagro. Fue hijo natural de Elvira Jaña y de un español apellidado Moyano. Su madre se desempeñaba domésticamente en el hogar del matrimonio conformado por José María Pezoa y Emerenciana Véliz, quienes definitivamente le criaron y otorgaron sus apellidos.
"Niño pálido, muy rubio, de cabello ensortijado, cuyos ojos claros aumentaban la transparencia del rostro" (Silva Castro). En los alrededores del antiguo mercado de San Diego, donde su padre adoptivo tenía un negocio de carbón y vituallas, Carlos Pezoa Véliz empieza a descubrir un mundo que temáticamente aparecerá posteriormente en su poesía; un barrio bravo donde deambulan tipos populares, donde lo rural se vierte en la ciudad y donde transitan personas al margen de la ley. Aquí realiza sus estudios primarios en la escuela pública Nº 3, para luego ingresar al Colegio de San Agustín, donde se destaca como un buen alumno. En esta época comienzan sus escapadas del hogar familiar, en algo que se transformará con el tiempo en una característica de su vida, con sus altibajos y las carencias económicas.
Pasa una corta estadía por la guardia nacional, obteniendo un grado superior a soldado, lo cual le inspirará el poema "Las Penas de azotes". "Formado el batallón, rígido humilla / al pobre desertor aprehendido / que sobre el patio del cuartel tendido / siente el roce brutal de la varilla."
Luego se dedica esporádicamente y con frenesí a varias ocupaciones: como aprendiz de zapatero, ayudante de una escuela de la calle San Diego e incluso llegó a ser calador de Sandías en el Mercado Central, donde se vendía "La Lira Popular", un folletín en el que, bajo el seudónimo de Juan Mauro Bío, publica sus primeros versos, que aludían a la crónica roja, por ejemplo el titulado "Crimen en la calle del Puente". La “Lira Popular” consistía en un par de hojas. Como podemos observar puede ocurrir que en una simple hoja de papel podemos hallar poesía de extraordinaria calidad . Y ocurre también, que he visto en ediciones de lujo, poesías mediocres y algunas horrorosas. Y recordemos que publicar muchos libros no hará un mejor poeta.
Inconformista, de formación autodidacta, mantuvo una estrecha relación con los Ateneos, donde se divulgaban conocimientos de la ciencia y se trataban las problemáticas sociales. Empapado de conciencia social, frecuentó círculos anarquistas como el Ateneo Obrero de Santiago o más tarde la Sociedad en Resistencia de Carpinteros de Valparaíso. Cuenta el poeta Oscar Hahn, que Pezoa Véliz fustigó duramente a los anarquistas a través de la prensa responsabilizándolos de la disolución del Ateneo Obrero de Santiago y acusándolos de "llevar en sus trajes no las honrosas manchas que se reciben con el trabajo diario, sino las huellas recientes de borracheras al aire libre".
El espíritu inquieto de Pezoa Véliz lo lleva a viajar por primera vez a Valparaíso alrededor de 1900, pasando toda clase de pellejerías. Dedicado a la bohemia, duerme en los carros eléctricos del recorrido Viña del Mar - Valparaíso y participa en desafíos a contrapunto con "puetas" en fondas y tabernas de este puerto. Hace amistades, entre la que destaca el poeta Víctor Domingo Silva, quien se desempeña como bibliotecario de la Armada y permite que nuestro poeta duerma en la biblioteca rodeado de libros y sueños.

En 1902 decide radicarse en el puerto y ese mismo año se realiza una velada en el Ateneo de la Juventud de Valparaíso, donde lee sus poemas y se confirma como poeta.
Alrededor de 1903 lo vemos vivir en Playa Ancha, específicamente en la calle Taqueadero Nº 55, casa que era propiedad de la familia Silva Endeiza, de los poetas Víctor Domingo y Gustavo, que inmortalizara en el poema "Al amor de la lumbre". "Junto a la gruta de las quebradas,/ donde las aguas alborotadas/ charlan de asuntos sin ton ni son,/ hay una casa de corredores,/ donde hay palomas, tiestos con flores/ y enredaderas en el balcón."
En 1904, mientras ejerce como profesor en Viña del Mar, se relaciona con varios escritores, entre los que destacan Augusto D'Halmar, Manuel Magallanes Moure, Samuel A. Lillo y Ernesto Montenegro. Ejerce como periodista y publica en varias revistas y diarios como "Pluma y Lápiz", "Instantáneas de luz y sombra" y "Sucesos".
En 1905, trabajando como redactor de "La Voz del Pueblo", es enviado al norte del país, para dar cuenta de la vida de los trabajadores y obtener suscripciones para el periódico. Pretende escribir una obra, a la que incluso titula "Tierra Bravía", pero no alcanza a concretar su proyecto. Producto de este viaje es el poema "De vuelta en la pampa" y el genuino retrato de "El taita de la oficina". "Es decir el más viejo de los trabajadores, el más corrido, el más espoliado, el más vicioso, el más pobre. El que reunía en sí aquellos atributos lamentables del pampino andariego, sin olvidar siquiera los más odiosos o los más conmovedores"
De vuelta de este viaje, al obtener Pedro Montt la presidencia de la República, Carlos Pezoa Véliz es nombrado secretario de la alcaldía en la Municipalidad de Viña del Mar. Atrás quedaban las zozobras económicas y lo vemos aparecer impecablemente vestido en uno de los pocos retratos que se conservan. Pero las ilusiones pronto se desvanecen y el destino no tardará en ensañarse con el poeta. Acaece el terremoto de 1906 que deja por los suelos a gran parte de Valparaíso y Viña del Mar, y es precisamente en esta ciudad donde una muralla de adobes aplasta al poeta, dejándolo gravemente herido, debiendo ser trasladado al hospital Alemán de Valparaíso, donde se constata la fractura de ambas piernas.
Es aquí, en la sala común, donde compone una de sus poesías genialmente logradas y famosas:

Tarde de Hospital
Sobre el campo el agua mustia
cae fina, grácil, leve;
con el agua cae angustia:
llueve

Y pues sólo en amplia pieza,
yazgo en cama, yazgo enfermo,
para espantar la tristeza,
duermo.


Pero el agua ha lloriqueado
junto a mí, cansada, leve;
despierto sobresaltado:
llueve

Entonces, muerto de angustia
ante el panorama inmenso,
mientras cae el agua mustia,
pienso


Escrito en el Hospital Alemán de Valparaíso en 1906.

Alcanzó a recuperarse de las heridas para volver nuevamente a este hospital, donde es operado de apendicitis. La dolencia continúa y decide trasladarse al hospital San Vicente de Paul en la capital, (hoy José Joaquín Aguirre) donde se confirma la enfermedad que había temido y prefigurado en sus escritos: Tuberculosis, en su caso al peritoneo, lo cual le causa profundos sufrimientos por heridas que no cicatrizan y sus correspondientes curaciones.
Frente a este infierno se le ve blasfemar ante la adversidad, como una forma de calmar la desesperación y los dolores. En ese estado es visitado por algunos amigos destacados como Fernando Santiván, Augusto D´Halmar, Guillermo Labarca o Emilio Vaisse. Lo inevitable cae sobre él como un destino trágico y deja de existir tras una larga agonía, el 21 de Abril de 1908.
Carlos Pezoa Véliz fue un innovador, cuando la poesía nacional estaba entrampada con el modernismo de Rubén Darío y con los lugares exóticos, cisnes y princesas. Supo poner la vista en otros lugares: "Si el poeta habla del agua con la voz misma del agua, hable también de los sedientos... si quiere contar sus cuitas al paisaje, hable desde la tosca puerta del rancho carcomido, donde hay tapias, rosales, organismos y esperanzas ruinosas..." (Antonio de Undurraga en "Pezoa Véliz")
En su poesía encontramos al hombre en su relación primordial con la tierra y con destinos adversos o tristes, al hombre anónimo cargado de amargura, a los humildes, a los tristes de corazón, en construcciones argumentales donde la voz del poeta consigue transformarse en voz colectiva.
Hay en sus versos un deseo de redimir a los desamparados, de ayudarlos en sus infortunios cuando les llega a decir: "No hay más que una vida de eterno desamparo, donde para alcanzar la migaja de placer que os corresponde como hombres, es fuerza que la arrebatéis a bayonetazos, colocando brutalmente en la balanza donde se os roba el pan, toda la brutalidad musculosa de vuestros puños"
Por sus cantos desfilan personajes profundamente reales y populares como Teodorinda, la hija del capataz, "Esa muchacha llena de risa es un bocado que el tiempo guisa para las hambres de su señor" o Pancho y Tomás, los hermanos de infortunio, o los anónimos personajes en Nada- También no faltan los perros abandonados como en "El perro Vagabundo". "Allá va. Lleva encima algo de abyecto. / Lo persigue de insectos un enjambre, / y va su pobre y repugnante aspecto/ cantando triste la canción del hambre." Estos y otros personajes configuran un mundo marginal hábilmente retratado donde el verso de cuidadosa factura logra hacernos parte, hacernos carne, en una gran lección de humildad.
Carlos Pezoa Véliz no alcanzó a cumplir los treinta años ni a ver, como le gustaría a todo escritor, impreso su nombre en letras de molde. En su corta vida, desde un origen incierto y modesto, logró luchar contra un destino adverso, sobreponiéndose a toda clase de penurias, para con tesón y esfuerzo lograr una voz propia, con la cual llegó a representar los destinos de muchos hombres anónimos, con sus sufrimientos y pesares, entonando la canción colectiva de un pueblo.
Póstumamente sus amigos concretarán su deseo inconcluso, la publicación de un libro. Su poesía, entonces, siguió su propio camino, trascendiendo fronteras, conservándose y recordándose a través del tiempo, algo que se contrapone con su efímera existencia. Su lírica, junto a su prosa de gran factura, fue un gran aporte a la literatura chilena, con sus contenidos sociales y populares, donde se expresan conmovedoramente las existencias silenciadas.
Entonces nos preguntamos que hubiera sucedido si Ernesto Montenegro no hubiese recopilado y editado “Alma Chilena” en 1912, Leonardo Pena posteriormente “Campana de oro”, “Poesías y prosas completas” de Armando Donoso en 1927 y “Pezoa Véliz, biografía crítica y antología” de Antonio de Undurraga en 1951. Libros que fueron publicados después de su muerte por hombres de letras solidarios que supieron ver sin egoísmos, en Pezoa Véliz en el ritmo vigoroso de su verso, la expresión de un realismo trascendente y universal.
Una vida similar a la de Pezoa Véliz encontramos en la de Mauricio Vega Montt, poeta que residió en la década del 50 en la ciudad de Quilpué. Mi primer contacto con la poesía de este artista de la palabra, sucedió hace algunos años cuando leía un semanario titulado “El Quilpuéino” editado por Don Raúl Troncoso, un distinguido ex funcionario municipal de dicha comuna. Me sorprendió, en aquel entonces, la hondura de su lírica, al tiempo la desdicha de su vida, narrada en breves líneas por el doctor Ramón Campbell que adjuntaba al poema publicado. Se trataba de un soneto magistralmente logrado, perfecto en la exigente estructura, bello y elevado en su estética, triste, fuerte y profundo en su contexto.
“La verdad sin tapujos tú deseas, hermano
que te demuestre mi vida sin reflejo escondido.
Ya ves como accedo. Ven, estrecha mi mano,
y lo que a nadie he dicho, te lo diré al oído.

Por lo falso y soberbio nunca amor he sentido.
Me fascina el misterio, lo imposible y lejano;
la Belleza y la Muerte, y el Dolor y el Olvido;
lo raro, lo doliente, lo exótico, lo arcano.

Mil pasiones extrañas me han besado y herido;
de maléficos pozos agua y sangre he bebido,
y estoy harto de todo lo divino y lo humano,

ya no espero ni creo, ni me doy ni pido,
ni los hombres me importan, ni ese Dios tan temido,
ni mañana ser sombra, lirio, luz o gusano”
Desde aquel momento surgió en mí el interés por tener una muestra más amplia de su quehacer poético. Tanto repetí su nombre entre mis pares hasta que un día, después de muchos años, uno de ellos me sugirió que, tal vez Don Heraldo Orrego pudiera tener algunos ejemplares ya que él había financiado años atrás una publicación de Mauricio Vega Montt. Fue así como generosamente, a través de su persona, obtuve el último ejemplar del que disponía, cuyo título es: “Cuatro Tiempos de una Vida, Poemas de Mauricio Vega Montt.” Libro conmovedor que asiduamente leo cada día con mayor interés.
El Dr. Ramón Campbell, un gran defensor de la cultura, que residió en Quilpué, relata dentro de este libro, como un día llegó el poeta a su casa en las colinas de Valencia, su objetivo era hacer entrega de su antología, rústicamente empastada por sus propias manos.
Cuenta además, el Dr. Campbell, como por ocasión de las tradicionales fiestas de la primavera que otrora se celebraban en diversas ciudades de nuestro país, conoció a Vega Montt: “Me llamaron a integrar el jurado Elogio a la Reina, lo presidía Augusto D”Halmar, nuestro primer premio nacional de literatura…leímos numerosos poemas a la primavera, a la belleza femenina y a la juventud: Algunos sentidos, otros vulgares, o plagiados, en fin, de esos que se miran y se deja a los pocos segundos. De pronto Don Augusto tomó una hoja y con su tono profundo y reposado, nos leyó un poema hermoso. Allí había un poeta de verdad; sencillo, claro, lleno de hermosas imágenes. Inquirimos el nombre: Mauricio Vega Montt” y prosigue “Ante nosotros se presentó un jovencito, delgado, humilde, pobre, tímido casi. No se atrevía a sonreír para no demostrar los defectos de sus dientes desgastados” Luego relata el Dr. Campbell que un dentista amigo arregla la dentadura del poeta y se le provee de ropas adecuadas para estar presente en el acto de coronación de la reina, pero no se presentó.
Mauricio Vega Montt, poeta pobre por fuera, sin embargo, henchido de riquezas inconmensurables dentro del cofre de su alma, padeció uno de los infortunios más grandes y desgarradores que ser humano sea capaz de soportar en toda su vida: hijo expósito no conoció a su madre, y seguramente tampoco al padre. De Alberto Maturana, quién analizó en profundidad la obra de Mauricio Vega Montt rescatamos las siguientes palabras: “Así este hombre triste, mutilado, que sólo en la muerte y al que tantas cosas han herido, ama sin embargo, a los demás hombres, y por ellos eleva un canto viril, hermoso y profundo” Leamos entonces algunos de sus poemas:
PAN
Porque comí del pan que hizo tu madre
tengo el corazón celeste esta tarde.

Algo bendito tenía de seguro,
porque me siento puro,
y en mis venas no arde
ni el egoísmo duro
ni la llama cobarde.

Algo bendito tenía, de seguro,
Este pan de tu madre.

Yo no la conozco pero la bendigo,
Por este pan que me ha el amigo
Que iluminó mis soledades.
Yo no la conozco pero la bendigo,
Y a tu lado, y contigo,
Le deseo saudades.

Que la espiga le sea generosa
Y crezcan más altos sus juncales;
Que la vida le sea dadivosa
En donde vaya, en donde ande.

Poema: llega hasta su mano
y entrégale lo que arde
de generoso y sobrehumano
en mi corazón esta tarde.

Y en el preludio de su muerte escribe:

SINFONÍA DE LA SANGRE

Oh sangre azul y envenenada
yo no quisiera poseerte,
y tengo que sentir tu grito, en cada
hora que me habla de la muerte.

Oh sangre azul iluminada
del resplandor de un cielo inerte,
que siempre me recorres, inundada
de algún hechizo antiguo y fuerte.

Quizás por ti sufrí tan hondo
este tormento ya sin fondo,
y sin final y sin comienzo;

Bendita sangre envenenada.
te siento mía en la jornada,
y por ti vibro, vivo, y pienso

Gracias al interés por la cultura y el arte que siempre demostró el Dr. Ramón Campbell y gracias a la benéfica mano de Don Heraldo Orrego, quienes supieron valorar la expresión poética de este insigne poeta es que podemos ser testigos hoy de su gran talento.

***
En Valparaíso en un frío día de invierno el año 1979 mientras esperábamos a otros poetas para subir a colocar una placa recordatoria en el hospital alemán por motivo del centenario del Natalicio del poeta Carlos Pezoa Véliz, tuve la ocasión de conocer y conversar con Guillermo Quiñones, el poeta olvidado de Valparaíso.Un hombre sencillo, diría casi tímido como un adolescente a pesar de sus bien conservados 80 años de edad. Conversamos de su Balada “La Galleta Marinera” y “Canto al Cartero” poemas que en mi primera juventud había leído con entusiasmo.
Guillermo Quiñones nació en Valparaíso, el 25 de junio de 1899. Poeta surrealista de verbo ágil y rítmico. Caracteriza la poética de Quiñones su estilo barroco, sus vocablos, conceptos e incluso imágenes antagónicas sin pretender construir andamiajes líricos que sorprendan al lector.
En su poesía se observa una clara expresión exultante y fuerte, y un franco concepto de la vida.
En vida publicó algunos escasos poemas en revistas (entre ellas, Multitud, Caballo de Fuego y Mapocho) Su obra póstuma la constituye una antología de poemas recogidos bajo el título “Cuando los veleros anclaban en Valparaíso”, publicada por la Sociedad de Escritores de Valparaíso, una edición de escasos ejemplares, desprovista de una efectiva distribución comercial y ninguna recepción crítica en el ámbito nacional.





De su canto al cartero extractamos algunos de sus versos:

“Hombre que has cruzado todas las civilizaciones,
como cualquier astro o insecto alrededor de la noria de la tierra.
serviste al Emperador de la China entre dragones
de piel de alucinado verde, como minas de esmeralda
en las que hubiéranse derrumbado todas las estrellas
y todas las verdes hojas y todos los verdes frutos de todas las primaveras…”
***
Manuel Astica Fuentes es otro de los escritores casi olvidados en Valparaíso y a nivel nacional. Nacido en Linares (1906), vivió en Valparaíso desde 1938 hasta su muerte en 1996. Siendo cabo escribiente de la Armada fue uno de los principales líderes de la sublevación de la escuadra naval en el año 1931. En 1932, publicó Thimor, la primera novela de ciencia ficción chilena. Nunca ha sido reeditada. Y aunque no se ubica en ninguna librería, no pierdo la esperanza de encontrarla en alguna feria de libros viejos, tal como he encontrado la de otros valiosos autores.
Conclusiones:
Propongo a los Sres. Asistentes a este Encuentro Internacional de Escritores “Pedro Mardones Barrientos” Organizado por la Agrupación Literaria Regional -5ª Región de Chile

Primero.- Sostener la firme resolución por rescatar de manera destacada la memoria de dos poetas o más, cada año en sus respectivas regiones, honrando con sus nombres en concursos literarios, recitales, aniversarios de su natalicio y/o de su muerte. Para lo cual sugiero entregar al público asistente algún tríptico o similar con una breve reseña biográfica y una pequeña muestra de su obra poética.

Segundo.- Publicar en conjunto con todas las regiones y países participantes en este Encuentro Internacional de Escritores una Antología que incluya a dos o más –previo acuerdo- poetas olvidados que se hayan destacados por la calidad de su obra poética más que por otros méritos.

Tercero.- El ideal de todas las proposiciones: Reeditar, difundir a nivel nacional e internacional las obras literarias que exhalan un poderoso hálito de grandeza y universalidad como las obras de los poetas que aquí he expuesto.
Muchas gracias.

*Luis Ossa Gajardo
Fuentes Bio-bibliográficas:

“El Quilpuéino” Antiguo semanario de la comuna de Quilpué, hoy desaparecido.
“Revista Culturart”
“Atlas de la poesía” de Antonio de Undurraga.
“Cuatro Tiempos de una Vida” Poemas de Mauricio Vega Montt

* Luis Ossa Gajardo: Poeta, Ensayista, Humanista, Crítico Literario Chileno.
Ponencia presentada en Olmué el día 9 de Noviembre de 2007 por motivo del Tercer Encuentro Internacional de Escritores organizado por la Agrupación Literaria de la 5ª Región y The Cove Rincón, Miami, Estados Unidos de Norteamérica.
Mayores antecedentes sobre del autor de esta ponencia utilizar Google.cl.

Presencia de Gabriela Mistral en Quilpué, Tierra del Sol.

Luis Ossa Gajardo

En la década del 50 del siglo veinte, solíamos viajar en ferrocarril todos los veranos junto a mis padres y otros amigos rumbo a Los Andes, un viaje por lo demás entretenidísimo con trasbordo en Llay-Llay, el propósito de aquellos viajes era pasar unos días maravillosos en el hogar de Don José Huerta y Sra. Griselda, un matrimonio alegre y bondadoso de cierta edad. Su casa era amplia, construida por gruesas paredes de barro, circundada por fecundos viñedos y una gigantesca higuera, cuya sombra refrescante cobijaba al grupo de amigos que allí se reunía en torno a una grata amistad. Esta casa se ubicaba en la calle Uruguay en el antiguo Barrio Centenario, próximo a los extensos y gruesos muros que circundaban las antiguas ciudades del Valle del Aconcagua. Fue allí, precisamente en aquellos años, cuando me enteré que al lado de la casa de Don José vivían dos primas de Gabriela Mistral de apellido Godoy a las que tuve la suerte de conocer porque solían ir con frecuencia a la casa de aquel maravilloso matrimonio amigo de mis padres.

En el año 1976, nos comunicaron que una de ellas se encontraba internada en el hospital Van Buren por una penosa enfermedad. Entonces de inmediato acudimos con Laura Medina, mi esposa a visitarla, visitas que realizamos con frecuencia, porque nos hicimos cargo de la limpieza de sus ropas y de todas sus necesidades personales. Su hermana mayor por motivos de su trabajo en Santiago no podía acudir todos los días al hospital…
En esas circunstancias fue el reencuentro. Clara Luz Godoy Aherroja, prima hermana de Gabriela Mistral, Directora de un Liceo de Santiago, solía contarnos de las visitas de Lucila al hogar de sus padres cuando ella tenía unos trece años, visitas por lo demás sin ninguna otra connotación que no fuera de un carácter meramente familiar. Para ellas siempre fue la prima Lucila, la que el mundo entero conocía por Gabriela Mistral, la gran poetisa, gloria de Hispanoamérica, la Gabriela insigne, coronada de estrellas, la misma Lucila que hablaba a río, a montaña y a cañaveral.

En 1954, siendo un joven adolescente estudiante del Liceo Coeducacional de Quilpue, tuve el privilegio de ver a menos de 2 metros de distancia a Gabriela Mistral quién se dirigía a Santiago en el tren presidencial, después de un apoteósico recibimiento en Valparaíso por una multitud de niñas vestidas con delantales blancos. Niños y niñas que agitaron sus pañuelos con júbilo por la presencia de Gabriela, la errante viajera, de retorno a su tierra chilena. La acompañaban en este viaje el escritor, crítico literario y miembro de la Academia Chilena de la Lengua Hernán Díaz Arrieta (Alone), el Ministro de Educación Oscar Herrera y el edecán militar de S.E. Mayor Santiago Polanco
El paso del tren fue lento para que todos los estudiantes distribuidos a lo largo del andén la pudiéramos apreciar, hecho afortunado para nosotros ya que no tuvimos que sufrir ningún tipo de aglomeración. Recuerdo que ella se levantó de su asiento y se acercó a la ventanilla y alzó su diestra para dirigirnos el cariñoso saludo de llegada y de despedida a la vez. Desde aquel septiembre de 1954 han pasado 53 años, sin embargo, su imagen serena y señorial permanece viva en mi corazón.

Era la última vez que Gabriela veía con sus ojos su amada patria. Era un viaje triunfal en un barco que se detiene en cada puerto para que ella reciba el homenaje popular, el de la gente sencilla de su pueblo que tanto la admira y la quiere. En Santiago recorre las calles de la ciudad en automóvil descubierto y es aplaudida y vitoreada por cientos de miles de personas. Con el cabello blanco al aire, cubierta con un sencillo abrigo gris, responde a las aclamaciones agitando sus manos. La recibe el presidente de la república, Don Carlos Ibáñez del Campo, en uno de los salones de gala del palacio de la Moneda, desde cuyos balcones se dirige al pueblo. La poetisa habla de sus preocupaciones de toda la vida. De los niños desamparados, de la pobreza de los campesinos, de la miseria de la gente humilde, de la ignorancia que les es impuesta por los regímenes injustos. Habla de los chilenos que ella conoció en 1910, con palabras que el chileno de 1954 entendía muy bien y que no eran exactamente una profecía para las generaciones futuras. Era la voz de la tierra hecha con la sustancia del tiempo. Un viaje en gloria y majestad, distinto al viaje en 1922 cuando nadie la recibió. En 1954, Gabriela Mistral visita a Chile y recibe el más increíble homenaje, cuando es el mar el que le “pardea de uniformes”: la flota chilena sale a encontrar el barco donde ella viaja. Tiene como escolta a la fuerza aérea y al ejército. La reciben las escuelas con todos sus niños en la calle en Arica, Valparaíso y Santiago; tras ellos, la población entera. Entonces pudo regresar a los Estados Unidos con el corazón henchido de júbilo y del grato amor de su pueblo.

Quilpué, 27 de Julio de 2007.

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Colaboración del Poeta, Ensayista Crítico Literario: Luis Ossa Gajardo

Van Wick Brooks, expresó:

EL PENSAMIENTO CRÍTICO
La crítica en su sentido más amplio es una actividad fundamental del pensamiento humano, es un ejercicio racional que agudiza las facultades y permite el desarrollo de la mente y el conocimiento del mundo. Es la crítica la que nos permite perfeccionar los objetos y las ideas, desarrollar teorías y replantearnos los principios sobre los cuales funcionamos y en los cuales creemos. La crítica es el replanteamiento de lo existente con miras a su entendimiento y perfección.
La palabra nos llega del griego "kritikos" cuyo significado era el de "discernimiento", "decisión". A través del tiempo la crítica se ha revelado como una actividad de escrutinio y análisis, un estudio sistematizado de los fenómenos para llegar a su entendimiento y comprensión. Por una aberración inexplicable, el signo "crítica" desarrolló paralelamente una connotación negativa, y sus conclusiones llegaron a tomarse en forma peyorativa. De aquí surge la conocida animadversión entre el creador y el crítico, animadversión que aún hoy en día se deja ver en el mundo literario.
La crítica no debe tener por finalidad el señalar errores y logros, sino más bien el explicar el funcionamiento del acontecer en cuestión, y ulteriormente mejorarlo. Pero en este acto de disección la crítica es también reelaboración y recreación de la instancia bajo estudio, se convierte a su vez en contexto del hecho original y por tanto lo complementa.
3.1. Función de la crítica

La crítica tiene una función gnoseológica, es un intento de conocimiento, de investigación. El pensamiento crítico ha sido fundamental para el desarrollo del hombre, ha sido la herramienta del progreso y la industria, de la filosofía y el arte, ha sido el instrumento que nos ha permitido conocernos y mejorarnos. La negación del pensamiento crítico es la negación de la inteligencia humana y de su derecho a expresarse.
Sabato, que a menudo arremete contra los críticos (3.3.) es a su vez un exponente de esta actividad, y un exponente significativo. Como crítico Sabato es agresivo y sardónico, defiende con pasión sus ideas y puntos de vista, es radical y obsesivo. Su mirada se detiene en los más variados temas que van del amor a la tortura, del arte a la ciencia, de la coyuntura política a la metafísica; y en todas las disciplinas Sabato se impone como ser crítico, es decir, asumiendo con lucidez la postura que condena en los otros.
Sabato ha dicho que toda la filosofía de occidente no es más que notas al pie de los Diálogos platónicos. En ese sentido las obras se proponen como reelaboraciones críticas de otros textos; son por lo tanto, producto de esa actitud crítica del hombre, la actividad del "homo kriticus". En manera análoga puede decirse que los discursos literarios en general son reelaboraciones del poema homérico y la tragedia clásica, son "refacimentos" de obras anteriores o remodelajes de un único material discursivo. Dice Sabato que "Las obras sucesivas de un escritor son como las ciudades que se construyen sobre las ruinas de las anteriores: aunque nuevas, prolongan cierta inmortalidad, asegurada por leyendas antiguas, por hombres de la misma raza, por las mismas puestas de sol, por pasiones semejantes, por ojos y rostros que retornan."
Van Wick Brooks

Colaboración del poeta Luis Ossa Gajardo
En este trabajo literario realizado por el Dr. Carlos López Dzur, residente en Orange County, California ha considerado algunos conceptos de mi autoría, consideración que me honra satisfactoriamente.

Poemas inéditos por amor / antología bohemia
Por gentileza y solicitud de la poeta Maricela R. Loaeza, se me ha pedido una crítica general de la recopilación de textos poéticos conjuntados en Poemas inéditos por amor, volumen que da voz literaria a 22 autores, cuyas edades oscilan entre los 21 y 90 años. La mayoría de ellos nació a mediados de 1960 y 1980. Al menos, cuatro de los poetas incluídos nacieron en 1981 y 1983 y son los más jóvenes. Se reúnen en Santa Ana (Condado de Orange) y provienen de México y cuatro de El Salvador (Centroamérica). Hay algunos nacidos, cuando no, formados en los EE.UU. En común, todos tienen el compromiso de escribir en español y entender la misión voluntaria y funcionalidad de la creación como «bohemia por amor».
Por esta razón, el primer asunto al que me referiré es qué se entiende por bohemia y la Enciclopedia Libre Wikipidia define: «Cofradía, grupo de artistas o literatos que viven al margen de la sociedad, reuniéndose en los cafés para hablar de literatura o intercambiar ideas estéticas». Se informa que, posiblemente, el origen de la bohemia surgió con el romanticismo y con la revolución que este movimiento entraña: una rebelión del corazón que dio «rienda suelta a la pasión y al amor, muchas veces ese amor imposible que atormenta el alma».
Al juzgar el romanticismo y las propuestas de arte puro, otra autora contemporánea expresó lo siguiente: «Ser bohemio es ser humano, pero un humano atrevido. Ese humano que destapa sus sentidos sin miedo; que canta o que escribe los más disparatados conceptos del amor. Cada uno de nosotros es poeta a su manera. Cada uno de nosotros lleva en el corazón un alma de bohemio, porque cada uno de nosotros ansía la libertad, la soledad, el romance, los sueños y aquello que llamamos la conquista de nuestro propio ser... La bohemia exalta los sentidos. Despierta nuestro ímpetu de amar la vida. Ser bohemio es querer sacar a flote ese ente que vive dentro de nosotros esperando su turno para disfrutar la vida en su totalidad, imaginando versos para vivir su propia creación. La bohemia es un desafío a la vida misma. Es una inquietud extravagante, muchas veces celosamente guardada. El bohemio le canta a las amarguras de la vida y también a las conquistas eternas. Lleva el alma entristecida, siempre tratando de fingir una sonrisa, esa sonrisa que trata de esconder la mueca del dolor que provocara una partida o, quizá por el dolor de haber vivido muy aprisa... ¿Será acaso la bohemia una rebelión contra el diario vivir o quizás una vida de ociosos, posiblemente algo intelectuales, pero con ganas de vivir la vida cantando y soñando? ... ¿Es ese pretender de artistas que todos llevamos dentro, o acaso la pura afición al arte, a la música, a la ociosidad... o al ensueño?»
Obviamente, el grupo de poetas de esta antología y la fundadora del grupo Bohemios por Amor no corresponden al tipo de bohemios que un poema tradicional, titulado El Brindis del Bohemio (que suele recitarse para despedir el año, a las 12:00 de la noche) hiciera tan famoso. La bohemia del bar de mala muerte, o del rincón de taberna, puede que no siempre incluya al «perfecto bohemio», que suele ser un poeta. Y, de hecho, no todos los poetas son bohemios, ni aún los consagrados. Nueve de los 22 poetas incluídos son mujeres y ésto implica unas diferencias de contenido y estilo de expresión; pero, en lo que se centra el grupo como tal y su propósito es en la tarea de concebir la poesía como un «arte» o «potencial» de la palabra que requiere de disciplina cultural para revelar la armonía del espíritu. La poesía —como dijera Luis Ossa Gajardo, poeta y ensayista chileno– no es sólo cuestión de palabras, sino de sentimientos. Por esta razón, el lugar de la bohemia que se propuso para el grupo son los entornos constructivos, el ambiente de un salón comunitario, o de escenario de arte, siempre cálido, familiar y acogedor. Y los bohemios del grupo han avalado en su nombre la frase «por amor». La bohemia vale por su concurso a la fraternidad y a lo que la poesía puede originar e impulsar para transformar la humanidad: acercar a los individuos solidariamente, eliminar fronteras, fortalecer el trabajo, crear belleza, devolver la autonomía de la consciencia al colocarnos en la recuperación del lenguaje en su forma más elevada y fundamental, como propuso Martin Heidegger en un ensayo sobre la esencia de la poesía. Y añadiría el poeta español Pedro Salinas en su libro Defensa del lenguaje: «Los poetas son los que usan el lenguaje en su máxima altura y para un fin de mayor altura».
Los poetas de la Antología bohemia por amor son trabajadores, estudiantes, algunos de sus miembros jubilados, cuya vida siempre fue productiva; algunos son profesionales, otros con actividades más humildes y asalariadas. De modo que, al presentar su poesía soy consciente de que muchos comienzan a transitar por el mundo de la creación, aunque su sensibilidad se haya manifestado desde la edad temprana. Son esencialmente poetas inéditos, no necesariamente salidos del Establecimiento académico profesional. Aquí la bohemia no es referencia al ocioso, al desclasado, ni a un sentido de «al margen de la sociedad».
En términos generales, la muestra recopilada por Maricela R. Loaeza recauda del grupo los siguientes temas:

(1) el amor a la familia (sean padre, madre o hijos)
(2) cómo vivir, la cotidianidad, y el significado de la vida
(3) el fracaso amoroso
(4) la codicia y la ambición
(5) la pasión y el amor
(6) la muerte y el destino
(7) la relación con Dios
(8) el poeta y su relación con la poesía (la soledad creativa)
(9) el proceso creativo-cognitivo y la afirmación de la persona
(10) la hermosura de la mujer
(11) la emigración y el impacto del abandono del hijo/a
(12) la angustia existencial, el desafío al tiempo
(13) nostalgia del paisaje y la Madre Tierra
(14) y como tópicos menores, la Navidad, la libertad y el humor.

En los planos léxicos y semánticos de la palabra, los poetas incluidos son apostróficos, es decir, invocadores que, con sus recursos de lenguaje y figuras de pensamiento, dan noticia al lector de una poesía, casi siempre confesional e intimista. Ninguno de los textos es estrictamente épico y objetivo. La intención lírica abre la subjetividad de todos ellos y, en no pocos casos, como alegoría con intención didáctica. Quizás el único poeta que introduce temas como la dieta, el uso de aretes por frivolidad y el poner «al mal tiempo buena cara», lo hace más con humor que con una objetividad del crítico de costumbres y es, a la sazón, Silvano Maciel Olid (nacido en 1915), profesor normalista jubilado de Nayarit y el poeta de mayor edad entre los incluídos.
En los planos fonológicos y sintácticos, los poetas de Antología bohemia aportan sus construcciones rítmicas de verso llano, con parcial identidad acústica entre versos, porque ellos llenan escasamente los cometidos estrictos de la métrica y el cómputo silábico de la versificación. Sin embargo, adoptan las formas estróficas (por ejemplo, cuartetos, tercetos, etc.), pero con rimas libres y al gusto.
En términos generales, son poetas con una formación de partida dentro de la poesía tradicional, donde la estructura rítmica y las rimas son el recurso básico de orientación. Las metonimias y las sinécdoques son más abundantes que las metáforas y símiles nuevas y originales. Ignoran la vanguardia como su modo de esquivar el ropaje verbal, menos hermoso o exquisito, de la Nueva Poesía y los elementos de extrañeza y alienación que la vuelven riesgosa, aunque más veraz, ante la inteligencia común de los lectores. Como bien observa el Dr. Luis Torres, de la Universidad de Calgary, en su libro Aproximaciones al estudio de la literatura hispánica (New York: 1999): «La poesía muy rítmica y repetitiva suele ser propia de la inspiración popular: reúne a la gente para que asuma una tradición recurrente, rememorial».
Mario H. Gallareta Pino, uno de los bohemios (nacido en Mérida, Yucatán, en 1923), parece cómodo con la idea de que la rima es ya expresión constante y confiable de belleza y que en el Parnaso (espacio de la musa) se captura la profunda inspiración y la lucidez:

Rimaré la expresión de excelsos pensamientos (...) /
hasta alcanzar el razonar egregio (...) /
convertir prosa llana en expresiva y dilecta,
considero de este modo que soy afortunado
porque entonces he llegado a ser poeta...

[«Recreación poética», de M. H. Gallareta Pino»]

Seis de los poetas bohemios de la antología convalidan la noción de musa / inspiración y escriben un texto colectivo que abre la antología, «haciendo honor a las musas» y los «desvelos» y «noches claras» de bohemia. Con el mismo título «Bohemios», Maricela Ramírez Loaeza enfatiza que ha sido en las «noches de poeta» que se formó la bohemia, pero el amor que la conexiona y desata es posible «durante el día».
El asunto de poetas «inspirados», es decir intervenidos por las musas, mágicamente portadoras de verdades absolutas y universales, es criterio que me desagrada, siendo yo un poeta de una vanguardia poética, existencial-postmoderna. La poesía, como todo quehacer válido, está sujeta a la disciplina cultural, a una «praxis» premeditada, seria y laboriosa. En consecuencia, ante estos poetas emergentes, comentaré ciertas cosas, siendo que son cultivadores del acento rítmico, un elemento que establece las diferencias entre poesía y prosa, pero que no garantiza que las frases hilvanadas en forma de verso cuajen como elocuencia del mensaje.
Armando Ortiz, en su ensayo Las letras de hoy: Una preocupación interminable, al enfatizar la necesidad de una técnica poética en contraposición a la confianza en las musas, escribió: «El futuro de la poesía es duro. Hay que redimir el talento. Los poetas de hoy y mañana deben, sin más, aprender a mostrar muchas imágenes, en pocas palabras».
La economía de palabras, ir al grano, es algo que se aprende. La mucha retórica enfada y empalaga. Una idea clara, aunque se diga poéticamente, vale mucho, aporta al conocimiento poético y no requiere muchos versos ni muchas explicaciones.
En la poesía, lo más eficaz que se debe capturar e intuir es lo que se ha llamado «intensificación del lenguaje» no por insistente reiteración de motivos, o por reduplicaciones o descripciones prosopográficas, o por repeticiones de sonidos (recursos fónicos o cacofónicos), sino por imágenes. Una imagen que, si bien profundice en el plano verbal, axiológico y ontológico, sea orgánica, sincera y el «núcleo viviente de su propia esencia», como explica Luis Ossa Gajardo.
Los poemas «se producen» reelaborativamente por una destrucción y conocimiento premeditado de lo superfluo, repetitivo y estereotipado, del lenguaje y sentido común. El poema es una victoria de la excitación espiritual que desafía la prosa cotidiana, el habla utilitaria de la necesidad y la descripción técnica de lo que existe en un aspecto material y literal. El poema no es una fórmula, o una estructura de mensaje predecible, como el cliché, la consigna, el kitsch publicitario y, aún siendo una búsqueda de sentido, el poema es la concentración imaginativa del lenguaje. Lenguaje intensificado por su aptitud asociativa y su evocación de correlaciones emotivas y sonoras.
Esta, que es la teoría poética de Ezra Pound, también subraya la necesidad de eliminar toda redundancia y todo amparo de fórmulas de dependencia a las musas y las reglas de los parnasos precedentes o remotos, que sólo esclavizan el mensaje poético. No significa que se haya prohibido el juego de las estrofas y las formas con la sonoridad. Significa que, si el poema nace de un modo desorganizado, en forma bruta como piedra no pulida, sólo la reelaboración concienzuda sobre ese material nos hará entresacar la belleza y lo intuitivo que esconde.
Dijimos, al enumerar el temario general de la antología, que uno de los más recurrentes es el proceso creativo-cognitivo y la afirmación de la persona. Denise Abraján (n. 1983) es un ejemplo del anhelo de aproximarse al proceso. Ella discurre sobre el destino y el valor de encarar la realidad: «¡Qué destino tan largo!», escribe en uno de sus poemas; «que me hagas tu destino / ... que te dejes morir conmigo», expresa en «¡Dame la oportunidad!»
Pero, ¿qué es el destino? Por sus textos aún no lo sabemos. Sin embargo, algunos versos explican la imposibilidad del develamiento de ese misterio. En «Renacer» la frase clave y causativa es: «Me he escondido de la realidad» (loc. cit.) y en otro texto, «No quiero hablar», explicita el miedo: «El miedo deja mi interior vacío» (loc. cit.)
Todo ésto nos lleva a reflexionar sobre aquella advertencia del poeta español José Hierro: «Únicamente con verdad no se escribe poesía, hay que persuadir». En el género de la «sinceridad última e irreversible» (Mario Benedetti), que es la poesía, es importante persuadir de que la verdad (aún mi verdad) está siendo esgrimida y captada, si es que se quiere que el «Renacer» del que Abraján como persuasora que discursa sea creíble y coherente.
Con la poesía (y no importa que ésto haya que decirlo con referencia a los poetas más jovencitos entre los incluídos o los más experimentados y maduros), no debe fundarse el paraíso de los bobos, donde las alegres fantasías se forjan a la medida de quienes las imaginan. El prerrequisito del texto poético es la sinceridad; pero su estructura de verdad sicológica, o de su verdad objetiva hic et nunc (de su aquí y ahora) no surge si se perpetúa una actitud de escondite, un «no quiero / ni quise hablar» y «de la realidad me escondo».
Denise Abraján dice:

Sentir que puedo renacer
pero no quiero hablar,
sentirme mejor que ayer
pero no quiero conversar...
(...)
¿Qué más da si me llaman?
Pero no quiero platicar.

[«No quiero hablar», de Denise Abraján]

En un sentido paradigmático, ese escondite / miedo / terquedad es la negación de la función de la poesía como sinceridad última e irreversible y lugar desde donde radica la dificultad de decir «Te amo» y abrir al prójimo, lo mismo que a nosotros mismos como persuadores del verso, para que se nos escuche y se nos obsequie «un minuto / que ya nada (te / nos) cueste». Ciertamente, ella quiere hablar y no sabe cómo por de pronto. Su actitud mienta el silencio necesario (porque el silencio es una forma de hablar) antes de hallar una verbalización adecuada mediante el verso. Ese es el meollo de su proceso cognitivo y creativo. Es su reto futuro para que renazca.
Vicente Aleixandre, poeta español, decía que «la poesía es comunicación, algo que sirve para hablar con los demás hombres». En los textos de Abraján, esta posibilidad ha sido cerrada jactanciosamente. Su mundo textual es cruel y «su mano» extendida es «áspera». Ella cierra el tiempo, seca su alma y, finalmente, alega en sus versos su proceso cognitivo-creativo, dejando en el aire lo que es su mejor poema: «¿Qué haces tú?», todavía acusativo. Pero, al menos en este nuevo texto, rescata la ínter- subjetividad, el deseo de preguntar a otros, al hablante / oyente ajeno.
La idea de este comentario sobre Denise Abraján es ésta: abandona el hermetismo, descubre la poesía de la calle. Define y persuade sobre aquellas cosas por las que aún callas y sufres. En ese poema, la frase «sembrar amor / para salvar un ser… / ¿Qué haces tú? Por este mundo cruel / para alimentarlo / con la fuerza de tu piel», se expresa lo más hermosamente solidario de toda la antología.
Mas, en la Antología bohemia, no hay poetas sociales, adueñados ya de todas las luces. En conjunto, están metidos en sus invocaciones apostróficas bohemias, apostando sus emociones al tiempo y al destino, como algo demasiado indefinido, hermético e incomunicable. Son poetas aún no fogueados con lo que Pablo Neruda llamara la «capacidad demoledora» de la poesía. Creen bona fide que el poeta es un inspirado, pero no un inspirador, que es todavía más importante que ir a tomar la poesía como terapia personal. No entienden la relación del poeta con la Historia. Se asoman idealísticamente a la historia de Dios, como el sustentador ético de la vida, pero no la hacen la historia de su pasión dolorosa encarnada en cada individuo. Se quedaron con la oscura noción aristotélico-medieval de que «en la poesía hay más verdad que en la historia»; pero de un modo dogmático-absoluto, incapaz de revelarse como explicitación e imaginación en lo concreto y cotidiano. Poetas de una universalidad y humanidad abstracta que parece adormecerse con los cantos de las sirenas.
En la antología, hay autores que toman de la poesía su aspecto terapéutico y la Cura («Sorge») más que el estético y filosófico (e.g., Judy Landeros, Margarita Covarrubias y otros). Bueno es que vayan equilibrando los tres aspectos. Suelen ser los contribuyentes más jóvenes de la colección. Este primer aspecto es útil e importante como un comienzo en la voz sincerativa, como rito iniciático en la ars poética; pero no debe ser la meta, según se adquiere el training en la manipulación creativa de la palabra. El riesgo de perpetuarse en el plano terapéutico es quedarse en los planos descriptivos y en la rememoración de un afecto perdido y una invocación literal del Ayúdame Dios mío, que yo no puedo. ¿Cuándo saldrá una intuición del misterio de Dios? algo que sea más que el consabido pedirle auxilio que, de por sí, desgasta a Dios al convertirlo en un receptor de nuestros recados.
Pero, en el plano léxico-semántico, ya se asoman algunas inquietudes definitorias de tono y estilo. Por ejemplo, Omar Soto es un poeta que construye una atmósfera poética de sopor, angustia, el descenso hacia la muerte y lo umbrío, el encuentro con el vacío y lo etéreo («no hay sustancia, no hay materia, / sólo una sombra precipitándose en tus entrañas»). La personificación del amor ideal penetra en la angustia por la vía de lo onírico («sueño postergado») y «certeza de ese ama r(se) más allá de toda piel»).
Sus prosopopeyas son numinosas, subliminales. Poeta del rumor y de la niebla, recuerda a los metafísicos ingleses. El mejor de sus poemas en la antología es «Sueño».
El guerrerense Alejandro Manzo tiene un par de buenos textos entre los siete incluidos. El mejor es «Tus ojos» porque va al grano. Se concentra en unos ojos inspiradores y transmite la emoción de que esos ojos son la sinécdoque o la percepción simbólica del alma o del encuentro intersubjetivo. En otros textos, Manzo tiende a ser redundante. Debe trabajar con la economía de palabras y en que sus parábolas didácticas tengan una imagen y una coherencia interna con el mensaje total.
Lucio Camarillo Barrera (n. 1963), quien aporta siete textos a la antología, es muy sensible a los temas ecológicos. A mi juicio, es el poeta más hábil y con más recursos de comunicación y actualidad temática en la colección.
De todos los autores, es Maricela Ramírez Loaeza, la recopiladora de los textos, quien se interesa en dar un texto objetivo que cierra la antología con un vuelco esperanzador. «Somos el México», parábola didáctica, que alude a la cultura patria, a la nostalgia de lo que se dejara atrás al inmigrar. «Nos carcome la ausencia», dice ella, pero como «golondrinas viajeras, regresaremos un día» (loc. cit.)
En conclusión, si bien trabajan el lenguaje como propiedad comunal, como decir compartido, apostrófico y refencialmente tradicional, estos poetas se han insertado en un ambiente espiritual de conviciones, creencias, costumbres, valores morales, que les alía a nombrar lo ya nombrado, con pocas rupturas con la estructura horizontal de la palabra y su sociabilidad.
¿Qué les falta? Un límite extremo al cual puedan llegar sin ser ofensores ni prosaicos, sin ser incomprensibles ni demasiado confesados y tradicionales. Falta la densidad del verbo solitario, «la dimensión vertical y solitaria del pensamiento», al decir del crítico y teórico Roland Barthes, la elección de un tono, el ethos, una individualización estilística, la parte privada del ritual creador. No son poetas atrevidos; son sólo íntimos y sus textos se parecen a todos los textos escritos en el siglo XIX por los románticos bohemios.
Para darse esta condición del poema que crea su propia identidad, en desafío de ruptura, el poeta debe armarse y enriquecerse con su propia mitología personal y secreta de escritor, formarse un infralenguaje que abandone la pura literalidad y haga crítica del conocimiento. Necesitan muchas lecturas de lo viejo y lo nuevo y vivencias aún no logradas. En algún nivel, esta mitología personal proviene de una profunda crítica de la historia y de las experiencias biológicas mismas de su persona. Deben descubrir o redescubrir, encarar y desenmascarar, la realidad espiritual como dialéctica. El poeta que ocasiona una intensa tensión entre su sensibilidad y su intelecto es quien suele provocar su propia ruptura con el lenguaje tradicional y todo lo que este lenguaje oculta como filosofía.
¿Para que sirve la poesía? Si la palabra como tal es un ente desafiado, o emplazado a salir de sí mismo y otorgar a otros entes su significado, el filósofo Martin Heidegger indica que sólo el poeta, con su química verbal, puede llevar a las palabras desgastadas y discursivas a «su propia Realidad-en-verdad», no como adorno y utilidad narrativa y prosaica ni como transitoria exaltación del espíritu, sino en un sentido fundacional, como instauración de un orden consustancial al pensamiento.
El lenguaje desgastado suele ser muy mentiroso, traicionero y encubridor. No obstante, el pensamiento es el poema original. Por el rescate de ese poema original (que es la Historia y la verdad de la palabra), el poeta debe arriesgarse, evitando el desgaste de la palabra, el oscurecimiento de sus relaciones, su degradación en la novelería, el adorno y la instrumentación como prioritarias sobre la verdad.
De esta tensión que surge del lenguaje, requiriéndose a sí mismo que devele sus propias esencias es que se nutre el poeta cuando juega con sus sonoridades, la perceptividad de imágenes y metáforas y, sobre todo, su correlación con lo emotivo. Con este ejercicio de la palabra contra sí misma, es que brota la poesía como «el más peligroso de los bienes» (Martin Heidegger), siendo el oficio de poeta «la ocupación más inocente de todas»; pero también la que mejor muestra las paradojas, en ese sentido no de lo inverosímil y de lo inútil que parece valioso, no siéndolo. Paradoja en el sentido de razonamiento y enunciación que llevan una válida síntesis de lo contradictorio. La paradoja suele ser el lenguaje de Dios más que la ironía.
En la etapa en la que percibo a los autores de la Antología bohemia, hay mucho Yo exaltado concentrado en la tarea de contar sus intimidades y carencias y, frente a todo material histórico, objetivo y social, poca reacción. El poeta de la calle es el duende que falta, como decía Federico García Lorca. Falta un Yo social, porque «no hay Yo sin un Nosotros».
(1) No hay verso político ni solidario en la antología
(2) Con excepciones, no hay evidencia sobre el impacto que produce el cruce de fronteras; los traumas que dejan miles de seres humanos muertos de sed en el desierto; los delitos de los coyotes, las mordidas y las coacciones a las familias.
(3) No hay voces que testifiquen la necesidad de paz, organización y una diplomacia no orientada a la guerra. Falta lo histórico-social.
No que estas temáticas fuesen indispensables en la muestra; pero, como lector, me extrañó ese vacío cuando vivimos en una de las épocas más convulsionadas de la historia, especialmente, después de 9/11, el Acta Patriótica y las guerras de Afganistán, Iraq y las globalizaciones repudiadas, el Estado Mundial vs. la noción de Estados soberanos y naciones libres; en fin, ¿quién hablará acerca de las mentiras triunfantes por la manipulación mediática y gobiernos corruptos?
En el futuro, cuando les llegue el tiempo de hablar, ellos decidirán su camino y su paso del Yo exaltado al Nosotros social más protestatario, pero siempre poético.

12 de mayo de 2005
Orange County, California

Un espíritu henchido de entusiasmo y optimismo caracteriza la dinámica trayectoria de Rafael Lüttges Derosas “El Viejo Trovador” quien bajo el influjo de Vicente Espinel -innovador de la décima castellana- nos presenta un nuevo libro: “Noticias del Reyno de Chile” que surge de su enriquecida y fecunda pluma. En efecto la creatividad de Rafael, socio activo del Círculo de Escritores de la 5ª Región, trasciende más allá de los límites de nuestro país, así lo avalan los numerosos premios obtenidos en corto tiempo desde “Valparaíso es puerto”, libro presentado en la Feria del Libro de Viña del Mar 2005. Prestigio que, por cierto, nos enorgullece porque al extender el brillo de su pluma por el orbe entero, nos estimula en el fresco granel de las palabras, en este rico idioma castellano, para contrarrestar las miserias y superficialidades que día a día nos circundan.

Rafael Lüttges lleva en su sangre, la herencia ennoblecida de su abuela materna: el ritmo de la décima, raíz pura del lenguaje vívido y esencial. La décima es sentimiento vigoroso y trascendental que procura, con un permanente anhelo de universalidad, llegar a la identidad del hombre con sólo aquello que iguala y dignifica.

En su ímpetu creativo el vate, cuya notable bonhomía ha calado hondo en los que le conocemos, va por los senderos de la vida espigando sus vivencias para elevarlas con profundo sentimiento en acertadas décimas. Este “Viejo Trovador”, hombre sencillo y cordial, lleva el sello indisoluble de todo buen escritor, porque la escritura es irradiación de la insondable riqueza interior.

“Noticias del Reyno de Chile” escrito con acendrado amor a la Patria expone en tonos líricos sorprendentes, las circunstancias históricas de nuestra Nación desde sus orígenes heroicos hasta el entorno circundante actual.

En las húmedas tierras del sur, tierra de júbilo y de vida, tierra de cerezos, avellanos, praderas, volcanes y ríos, de pájaros, copihues, valles y montañas se destaca la majestuosa Araucaria, hermana del canelo y sombra del pehuenche, allí bajo sus verdes frondas y su tierno fruto se desarrolló durante tres siglos una guerra de estupor y muerte, entre el aguerrido conquistador español y el mapuche de vigorosa estirpe.

El indio Araucano, dignificado por Ercilla, recobra vida nuevamente en el puño febril del autor de “Noticias del Reyno de Chile”. Lautaro, Caupolicán, Galvarino, Tucapel, Colocolo, Leucotón, Orompello y Lincoyán, alcanzan en el elogio de sus hazañas una elevada dimensión del valor guerrero en defensa de sus bosques y ríos en la esplendorosa tierra en la que germina el copihue bajo la lluvia. Sus mujeres Fresia y Guacolda, enérgicas en las horas del honor, tiernas y dóciles en la grácil túnica del amor, en medio del estrépito de las batallas, otorgaron a sus compañeros, el dulce acento de la vida.

En una amplia descripción y en el rítmico acorde de las décimas de Rafael Lüttges Derosas el lector percibirá, entre ardientes abrojos y la fresca fragancia de las flores silvestres, la recia batalla de aquellos tres siglos sostenida entre bosques y ríos, la que inexorablemente nos liga a la realidad histórica de nuestra tierra que, Rafael, bien hace en recordárnosla.

Los frescos laureles de nuestros insignes poetas Gabriela Mistral y Pablo Neruda, Premios Nóbel de Literatura, hermanos en el sueño lírico, en la nativa tierra y en sus destinos errantes, gloria de nuestra América, se hacen presentes en los vigorosos versos de nuestro vate.

La Cueca, nuestro baile nacional y las hermosas tonadas adquieren vida y esplendor en la sólida pluma del poeta. Un merecido homenaje a nuestra entrañable folklorista Violeta Parra complementa este nuevo libro de “El Viejo Trovador”.

El admirable flujo lírico, el aliento restallante y jubiloso que se manifiesta constantemente en los versos de Rafael Lüttges Derosas nos hace entrever que nos encontramos frente a uno de los grandes cultores de la espinela en nuestro país. Sus décimas exhalan en este nuevo libro un poderoso hálito que surge desde las entrañas de un poeta auténtico.

Nada escapa en este nuevo libro que para nuestro deleite nos presenta el destacado poeta viñamarino, cuyas ágiles páginas desbordan historia en forma amena, colmadas de ingenio, gracia y cordialidad. Desde los descubridores de nuestro país Almagro y Pizarro hasta Pedro de Valdivia e Inés de Suárez, su indómita mujer. Desde la Guerra de Arauco hasta las luchas por la Independencia de Chile con los forjadores de la Patria Bernardo O’Higgins, José Miguel Carrera, Diego Portales y las venturosas hazañas de Manuel Rodríguez…el guerrillero.

También el amor está presente en la red de sus venas, aquel sentimiento que el alma hace temblar. Así se manifiesta en la corriente incontenible del ritmo musical de las estrofas ceñidas en la gracia del octosílabo, donde el rojo latido de su corazón, envuelto entre sueños y esperanzas alcanza armónica y diáfana resonancia en sus 20 poemas al amor y una décima glosada.

Enhorabuena al autor de “Noticias del Reyno de Chile” por el sentimiento fluido y torrencial de sus bienvenidas décimas.

Luis Ossa Gajardo
Círculo de Escritores de la 5ª Región
Ref. Críticas Biblioteca Nacional de Chile.

UN POETA ECOLÓGICO

“VERSOS ECOLOGISTAS” DE LUIS OSSA GAJARDO

Talleres Alba Producciones, Valparaíso 2004.

Comentario: Marino Muñoz Lagos
Miembro de la Academia Chilena de la Lengua.



Este poeta nació en nuestro primer puerto en 1940 y residió en Punta Arenas varios años, incorporándose a la Sociedad de Escritores de Chile – Filial Magallanes-. Aquí continuó escribiendo poesía y alternando con sus pares en tertulias y publicaciones que hacían posible el trabajo literario en la región.

A fines del año 2002 apareció su tomo de poesía “Alzo la Voz”, cuyas composiciones son de protesta y rebeldía por la mal llamada “poesía” imperante en nuestros días. Ahora lo llama la defensa de la naturaleza en las páginas de “Versos ecologistas”, que ocupan su atención en laboriosas y entusiastas estrofas, que nos hablan de la tierra y el mar, los árboles y los pájaros, en resumen, el entorno del hombre en todas sus proyecciones.

“Nuestro propósito es despertar-dice el poeta Ossa Gajardo-, a través de estos versos ecologistas una clara conciencia por la preservación de nuestra flora y fauna constituyendo este libro una voz de alarma frente a los serios riesgos de extinción”.

A continuación acompaña veinte poemas breves que reflejan su afecto por la naturaleza y las costumbres que provoca en el medio ambiente.

Siendo de Valparaíso se hizo amigo del mar desde niño y en sus oleajes recibió sus lecciones de horizontes e inmensidades. Al mirar a sus moradores le quedó la estampa marinera de la gaviota y en seis líneas magistrales la atrapó al vuelo de las palabras: “Una gaviota/ me trae cada mañana/ armonía de faros/ rumor de navíos. / Y una lejana canción de corsarios”.

En este mismo mar de que escribimos, el poeta nos habla del “Albatros”, pájaro marítimo y singular:”Albatros, libre príncipe del mar, fresco/ sueño de gloria.//Abre tus alas / sobre el cósmico mar/ de mi memoria”.Estos son los actuales versos del poeta porteño Luis Ossa Gajardo, quien continúa escribiendo auténtica poesía, fresca y pura, mirando el mar de Valparaíso y sus gaviotas de boyas y de mar abierto.

Deseamos que los versos de este poeta prosigan navegando en las páginas de sus próximos libros y publicaciones literarias.
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Publicado en “La Prensa Austral”, Abril 2005.-

www.rincondelarte.cl

CUARTETAS CAMINAN CHILE…

Autor: Juan Meza Sepúlveda
Comenta: Luis Ossa Gajardo

Un nuevo volumen del poeta Juan Meza Sepúlveda ha llegado gentilmente a nuestras manos. Esta vez “Cuartetas Caminan Chile…”. La cuarteta, estructura estrófica constituida por cuatro versos, generalmente octosílabos, como lo es la redondilla, la seguidilla etc, ha sido cultivada desde tiempos inmemoriales en diferentes puntos de la tierra.


172 cuartetas constituyen el nuevo texto lírico “Cuartetas Caminan Chile…”. En este libro el vate ha cristalizado, a través de su cántico, un lírico viaje desde la línea de la concordia hasta la gélida Antártida. Y en su viaje nos ha enriquecido por intermedio de su creación literaria, porque a través de la palabra de su quehacer lírico, logra evocar la esencialidad toda de nuestra Patria.

Al referirnos a la cuarteta asonantada, nos referiremos previamente, también al repentismo:
El Repentismo es una expresión cultural de los pueblos mediante el cual se improvisa la cotidianidad, las costumbres y manifestaciones populares de cada región de un país.

Las cuartetas repentistas de Juan Meza Sepúlveda brotan de su propio sentimiento con la transparencia vital de una vertiente fresca y clara. Rápido, audaz e ingenioso con una gran limpieza enunciativa, el poeta va construyendo calibrados versos para recorrer con éstos a lo largo y ancho de Chile. Se precisa amar a la Patria con un corazón estremecido para escribir y describir en el curso de su canto el paisaje y la naturaleza de su gente que habita en cada pueblo y ciudad de nuestro extenso territorio nacional.

El impulso genial de sus emociones líricas nos hacen ver y reconocer, en rápidas pinceladas, los espacios vivificantes de esta tierra tan nuestra en la que el Creador nos ha concedido nacer y pertenecer.

La improvisación es una virtud creativa henchida de gracia y vitalidad. Y a través de estos sencillos versos, el vate -para regocijo de sus lectores- logra entrelazar el corazón a la palabra. Meza Sepúlveda recibió del Cielo tal dominio y virtud; poesía en tonos vivos y palpitantes que nosotros apreciamos y admiramos.

Sin duda, el lector, al leer estas inspiradas cuartetas experimentará dentro de su corazón un canto de esperanza y una corriente de amor y nostalgia por cada trozo de territorio que, en este libro en comento, escrito en formidables cuartetas, nos constriñe y convoca.

Bello e íntimo Ranquil
es como pan rescoldado;
Cobquecura dio el brasero
y, en Quirihue fue amasado.

Esta cuarteta es sólo una muestra de la destreza de su instrumental interpretativo y la resonancia del poder de síntesis de su verbo espontáneo y creativo.

Contiene, además, el libro, acertadas ilustraciones que acompañan el texto literario en la mayoría de sus exposiciones. Con esta iniciativa logramos observar un mayor acento de nuestra propia identidad.

En un mundo de relativismo alarmante, de escasos principios y cada vez menor amor patrio, surge este libro de cuartetas como un llamado a la fraternidad de nuestra raza, a su tradición y a la dignidad de cada pueblo, por pequeño que éste sea, y a la propia dignificación del hombre de esta hermosa tierra, sin considerar jamás su condición social.

Al finalizar este breve comentario en torno al libro “Cuartetas Caminan Chile…” felicitamos al autor por recoger las riquezas de nuestra esencialidad, la que nunca debemos olvidar.

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Quilpué, 9 de octubre de 2006.

Colaboración del Poeta Luis Ossa Gajardo

LA ENVIDIA

Por: Enrique Rojas, psicólogo y psiquiatra.
La envidia es una declaración de inferioridad Napoleón Bonaparte
¿Mi amor te distes cuenta como es que la grama en casa del vecino se ve mejor que la nuestra?
¡Que estupida esa, se cree que es mejor que yo y mas linda!

¿Que es la envidia?, ¿Que esconde la envidia?
Aunque es un sentimiento bastante común, el no poder llegar a dominarla puede ser altamente autodestructivo para quien la tiene.
Unos ejemplos significativos de actitudes envidiosas y que ocurren con bastante frecuencia pueden ser los siguientes:
"No soporto a la nueva secretaria, lo tiene todo a punto, lo sabe todo y encima va muy bien arreglada".
"Me da una rabia ver a esa gente tan simpática y sociable, se creen muy buenos relaciones publicas pero no hay quien hable con ellos, son unos idiotas".
"Yo no aguanto a mi marido cuando se pone a ver su película favorita y pasa de todo".
"Hay que ver el coche que se ha comprado el vecino, ¿de donde sacara el dinero?".
"De que se reirá la gente, no se que es lo que tiene gracia"
¿Como descubrir a una persona envidiosa?, La envidia es un sentimiento negativo del que se habla poco y se sufre en mayor o menor grado de la vida, se trata de un tipo de reacción que tienen la mayoría de los seres humanos y de aquí pueden surgir las mayores aberraciones tanto en sufrimiento personal como de proyección hacia los demás.
Por culpa de la envidia unido a otros factores, se han podido hacer trabajos de magia negra para destruir el entorno armónico de una familia, por el simple echo de envidiar "la felicidad que emanaba de ellos", se ha podido incluso llegar a agredir a una persona por no aguantar que fuera mas alto o mas guapo que ella, e incluso no han observado ustedes algunas veces un automóvil nuevo que su pintura ha sido totalmente rayada, esto es un acto de envidia.
La envidia empieza a surgir en los primeros años de vida, cuando el niño empieza a relacionarse con el grupo familiar y social , si el niño se siente amenazado en su terreno y en lo que mas quiere tiene un sentimiento de vacío, deseara a toda costa conseguir todo lo que no posee o cree que no puede poseer, esto se manifiesta con pataletas, rabietas, es necesario calmar esos disgustos con explicaciones lógicas y enseñándole a dar, para que con ello vaya aprendiendo a tolerar sus frustraciones y controlar las conductas impulsivas, así pues de esta forma aprenderá a respetar las diferencias y valorar sus propias cualidades, es decir en definitiva empezará a madurar.
Si al niño que ha pasado por episodios de envidia constante, nadie de su entorno le ha calmando esta ansiedad, crecerá con sentimientos de frustración y de vacío y será un adulto envidioso contaminado por el rencor a los éxitos ajenos, incluso de su propia pareja y amistades, llegando su vida a ser un verdadero tormento.
El observar o reconocer que algunas situaciones o personas provocan envidia es "positivo", ya que ayuda a reflexionar sobre los propios recursos y con ello aceptar nuestras propias limitaciones.
La admiración a determinadas personas, no significa tenerles envidia, es saber valorarlas y valorarse.
Si sufres las miradas y las palabras de una persona envidiosa trata de pasarlas por alto, no eres responsable de su sentimiento, intenta descubrir la envidia a tiempo, te evitarás muchísimos problemas, no desarrolles confianza con las personas envidiosas
Si eres una persona envidiosa y quieres salir de ese estado porque te está consumiendo la vida, la única forma de conseguirlo es, primero conectar con DIOS y después:
Primero: Sintiendo el cariño y el apoyo de los seres queridos.
Segundo: Desarrollando tu sentido del humor.
Tercero: Hallando tu propia identidad.
Cuarto: Siendo consciente de qué es lo prioritario de tu vida.
Quinto: Tolerando tus defectos y valorando tus cualidades.
Sexto: Valorando las cualidades ajenas en su medida.

O si prefieres seguir con ese sentimiento de envidia, lo que conseguirás será:

Bloquear el pensamiento creativo.
Generaras ansiedad, tristeza y rencor.
Lo manifestarás a través de miradas y frases inoportunas, o frases calculadas para hacer daño.
Es un sentimiento que nunca podrás controlar sin ayuda, y sin que tu mismo aceptes que lo eres.

Es difícil descubrir al envidioso pues a veces se esconde a través de una apariencia amable, acogedora y simpática y otras se camufla en conductas de excesivo respeto, o excesiva admiración, el envidioso se "alegra de los fracasos ajenos", "sufre con los éxitos ajenos", pero desaprovecha tanta energía que no es capaz de alcanzar sus propios objetivos.
Considera que los demás consiguen las cosas con facilidad y sin esfuerzo, no es una persona generosa, si triunfa nunca se siente satisfecho, este sentimiento es muy perjudicial para quien lo siente y "muy peligroso para la persona envidiada".